Landscape Stories: Dove possono essere trovate le origini del suo lavoro?
Aaron Rothman: Le radici sono da ricercare in un senso molto basilare di connessione con il mondo che mi circonda, sensibilità che ho sperimentato a frequenza variabile e a vari livelli di intensità durante la mia vita. Questa sensazione di solito arriva negli spazi naturali, ma può anche accadere nel mondo costruito, di solito attraverso una piccola traccia di fenomeno naturale, una certa qualità della luce attraverso una finestra che mi rende consapevole dello spazio del cielo, per esempio. Il lavoro di solito non riguarda direttamente questa sensazione. Le fotografie spesso affrontano le complessità che la circondano o la impediscono. Ma è sempre presente in qualche modo nelle immagini o nel processo di realizzazione.
Landscape Stories: Quale poeta o artista ha influenzato maggiormente i suoi esordi? Quale fotografo è stato l'ispirazione più forte?
Aaron Rothman: All'inizio, probabilmente Ansel Adams. Sono stato attratto dall'argomento, a causa del mio amore per il paesaggio dell'ovest americano, ma alla fine il suo è stato principalmente un'influenza tecnica. È dai suoi libri come "La macchina fotografica, la stampa e il negativo" che ho imparato la fotografia da adolescente. In termini di creazione di immagini, i miei interessi si sono spostati abbastanza rapidamente sulle persone che usano il mezzo in modo più espressivo o metaforico, come Minor White. Non condivido il misticismo palese di White, ma al momento la sua fotografia e quello che ha fatto per Aperture hanno realmente influenzato il mio modo di pensare. Dato che chiedi della poesia, devo anche ringraziare l'aver visto leggere William Stanley Merwin quando ero al liceo. Ricordo di essere stato completamente immerso, in uno stato quasi di trance, dalle sue parole. Quel tipo di risonanza emotiva è qualcosa a cui aspiro da allora. Quando sono entrato al college e ho capito che l'arte era davvero l'unica cosa che mi interessava perseguire, sono stato catturato da lavori che vertevano sull'aspetto più astratto della fotografia, come Richard Diebenkorn e Agnes Martin. In quel momento apprezzai Hiroshi Sugimoto (ho visto uno spettacolo dei paesaggi marini nei primi anni '90 che mi ha lasciato senza fiato) e Thomas Joshua Cooper. Il modo in cui hanno usato il mezzo per mostrare il paesaggio nel contesto di idee più grandi di tempo e percezione mi ha davvero attratto.
Landscape Stories: Potrebbe descrivere le sue prime esperienze con la fotografia, sia come spettatore che come artista?
Aaron Rothman: Mi piaceva fotografare con la fotocamera della mia famiglia da bambino, ma ho iniziato a fotografare da adolescente. Ho frequentato un corso a scuola, che riguardava solo le cose tecniche più elementari, ma ero entusiasta. Ho costruito una camera oscura con un amico nel seminterrato della sua famiglia e da lì ho imparato da solo. Avevo una mentalità tecnica, ma ero sempre interessato alle arti e alle scienze umane rispetto alla scienza, quindi la combinazione della risoluzione di un problema tecnico al servizio dell'espressione personale mi andava davvero bene. La mia famiglia era iscritta all'Art Institute e al Museum of Contemporary Art di Chicago. Il mio primo ricordo artistico specifico è quella di aver visto uno spettacolo di Christian Boltanski all'MCA. Ero troppo giovane per ottenere il pieno significato dell'opera, ma le sue foto sfocate di volti illuminati da lampadine nude lasciavano una forte impressione emotiva. Più tardi, quando ho iniziato a fare le mie fotografie, queste istituzioni, insieme al Museo di fotografia contemporanea, sono state molto importanti. L'Istituto d'arte ha sempre avuto opere straordinarie dalla sua collezione in mostra: mi è piaciuto molto vedere le stampe di Alfred Stieglitz, Eugène Atget, Paul Strand. La combinazione delle opere contemporanee lì e presso l'MCA e l'MoCP, mi ha permesso di avere una estesa formazione da autodidatta sulle possibilità del mezzo. Penso anche che sia stato importante che la mia esperienza sia stata così legata alla visione di stampe reali e non di riproduzioni o file jpeg.
Landscape Stories: Quanto profondamente è influenzato dall'ambiente e dai luoghi in cui è cresciuto? Il paesaggio del Midwest americano è ancora un importante "punto di riferimento" e influenza per il suo immaginario?
Aaron Rothman: Questa è una domanda interessante a cui non avevo mai pensato prima. Penso che crescere nel Midwest mi doni la capacità di apprezzare gli aspetti più discreti e modesti della bellezza del mondo naturale. Non ci sono grandi montagne o meravigliosi panorami, quindi ho dovuto prestare maggiore attenzione a cose come i modi sottili in cui lo spazio è definito in una piccola sezione di prato o la qualità della luce in un piccolo gruppo di alberi. Penso che questi piccoli momenti e osservazioni siano ciò che crea un vero senso del luogo, anche all'interno di un paesaggio più spettacolare, e provo a portare questo senso nel lavoro. Detto questo, sono molto felice di vivere e lavorare nel West. Penso che il mio lavoro si basi sull'avere questi piccoli momenti nel contesto dei grandi spazi del West. Avrei difficoltà a tornare a lavorare nel Midwest.
Landscape Stories: Come descriverebbe la sua voce/linguaggio fotografico e il modo di lavorare/processo creativo?
Aaron Rothman: Sono sempre stato interessato alla dinamica tra la rappresentazione diretta delle cose della fotografia e i modi in cui trasforma anche ciò che descrive. Vedo questo processo come una sorta di delega per la nostra percezione e conoscenza del mondo. Cerco di usare il processo fotografico, dalle trasformazioni più sottili di una foto diretta a ovvie manipolazioni, per pensare al processo della visione, per esaminare il divario tra il mondo e come lo vivo. Detto questo, il mio processo è molto intuitivo. Inizia sempre con il tentativo di trasmettere un senso di connessione che provo con il luogo che sto fotografando. Cerco di lasciarmi guidare da me, non da un concetto predeterminato o da un quadro procedurale.
Landscape Stories: Lei è sia un fotografo che uno scrittore. In che modo un aspetto ha influenzato l'altro?
Aaron Rothman: Fare arte è il mio principale interesse, la scrittura è una linea laterale in cui mi sono imbattuto. Non ho scritto molto negli ultimi due anni, sono uno scrittore dolorosamente lento. Ci torno su quando ho tempo. In passato per me è stato un ottimo modo per esplorare e articolare idee che mi interessano in un modo in cui non riuscirei a pensare o scrivere sul mio lavoro. Riesco a vedere le cose più chiaramente e mi sento molto più libero di interpretare quando scrivo del lavoro di qualcun altro. Scrivere del lavoro di altri mi ha aiutato a definire e comprendere il contesto in cui voglio che il mio lavoro si trovi e cosa voglio realizzare con il mio lavoro. L'obiettivo principale con la scrittura, tuttavia, è stato quello di sostenere ciò in cui credo, spesso un lavoro che adotta un approccio nuovo o più sperimentale al paesaggio. Non credo che dovrebbe essere responsabilità dell'artista spiegare sempre il proprio lavoro. Nello scrivere, in particolare sugli artisti che non hanno ricevuto molta attenzione (la maggior parte), spero che un'interpretazione ponderata dalla mia prospettiva aggiunga un po' di profondità alla percezione della loro opera nel mondo.
Landscape Stories: Timothy O'Sullivan, Carleton E. Watkins, William Henry Jackson, A.J. Russell, William Bell, sono ottimi esempi del legame tra il concetto di wilderness e la possibilità di realizzare il sogno americano, l'idea di immaginare nuove possibilità e di esplorare il confine. Secondo lei in che modo il Paesaggio potrebbe essere considerato fisico o psicologico? Potrebbe descrivere la sua esperienza di fotografare un luogo che non hai mai visto prima?
Aaron Rothman: Sono interessato al punto d'incontro tra fisico e psicologico: la sovrapposizione tra la materia fisica dello spazio del paesaggio e l'idea del paesaggio che esiste nella mente e nella cultura. Proprio prima di andare alla scuola elementare c'era una grande mostra di Carleton Watkins a San Francisco, dove vivevo, che ha avuto un grande impatto su di me a causa del modo in cui quelle foto mostravano una stratificazione così complessa di fisico, concettuale ed esperienziale. Sono, ovviamente, documenti di vari paesaggi specifici dell'Ovest americano in un momento particolare della storia. Mostrano l'incredibile bellezza di questi luoghi e anche le prime espressioni dell'etica dell'espansione e dell'estrazione delle risorse che li ha plasmati nel loro stato attuale. Lo fanno in modo diverso rispetto, per esempio, ai dipinti di Albert Bierstadt sugli stessi soggetti nello stesso tempo. I dipinti hanno una forte intenzionalità e controllo nel trasmettere un'idea specifica e un programma di cose da fare per il paesaggio occidentale. Anche le foto sono intenzionali, ma questo è compensato dal loro collegamento diretto con la realtà e dai relativi limiti del mezzo. La materialità del mondo fisico è così palpabile in primo piano nelle stampe gigantesche, la trama delle rocce, la lucentezza delle foglie. A causa dell'emulsione sensibile al blu, tuttavia, gli sfondi perdono dettagli e sono resi in un modo quasi onirico, le montagne e le scogliere distanti diventano più uno spazio psicologico che uno fisico. La stratificazione di questi diversi modi di vedere, comprendere e rappresentare il paesaggio mi affascina.
Landscape Stories: "Signal Noise" è una monografia del suo lavoro fotografico realizzato tra il 2006 e il 2016. Come si è sviluppato il progetto fin dall'inizio? Come seleziona i luoghi che fotografa? Pensa che in qualche modo le differenze cronologiche abbiano influenzato questo scontro tra reale e virtuale, naturale e artificiale?
Aaron Rothman: Non ho concepito il lavoro nel libro come un progetto unico. Si è evoluto organicamente nel tempo. La genesi del lavoro era in una lenta consapevolezza che le fotografie dirette non stavano arrivando alle parti essenziali della mia mutevole esperienza e comprensione dei paesaggi che stavo fotografando. Ho iniziato a sperimentare l'alterazione digitale, prima come un modo per cercare di manifestare qualità dell'esperienza percettiva dei fenomeni naturali, e poi anche come un modo per guardare al confine sfocato tra naturale e artificiale e l'infiltrazione dello spazio virtuale nell'esperienza dello spazio fisico. I processi di alterazione digitale si sono costruiti su se stessi e in reazione alle immagini che stavo realizzando. L'inizio del mio lavoro con l'alterazione digitale ha coinciso con la nascita di mia figlia. Avere un bambino piccolo significava che non potevo fare molti viaggi con l'unico scopo di fotografare terreni specifici, quindi la maggior parte del lavoro è stata fotografata vicino a dove vivo in Arizona o nei viaggi con la famiglia in California. Ciò ha funzionato perché l'idea di questo lavoro non era quella di documentare una particolare geografia, ma di esplorare aspetti della mia esperienza che si applicavano a questi diversi paesaggi dell'ovest e del sud-ovest americani. Non volevo che la sequenza del libro fosse collegata alla localizzazione delle foto e allo stesso modo, non volevo che mappasse la progressione cronologica delle mie preoccupazioni.
Landscape Stories: Facendo riferimento al suo ultimo libro "Signal Noise" ... È stato pubblicato da RADIUS BOOK nel 2018. Come è iniziata la sua collaborazione con RADIUS BOOK? Potrebbe dirci qualcosa in più sulla creazione del libro? Le dispiace spiegare ai nostri lettori perché ha scelto di realizzare questo libro e cosa spera di realizzare con esso?
Aaron Rothman: Ho avuto la possibilità di incontrare David Chickey di RADIUS BOOK attraverso un collega comune. Di per sé non avevo un progetto di libro, ma un portfolio con una serie di gruppi di immagini interconnessi che si erano evoluti nel corso degli anni. David ha notato un potenziale nel portfolio e lo ha presentato al consiglio di amministrazione di RADIUS BOOK, che approva tutte le loro pubblicazioni. Questo è quando il lavoro è iniziato davvero. Avevo un insieme di piccoli gruppi di immagini, ognuno con una tecnica o un approccio diversi. Nella mia mente, questi non erano corpi di lavori separati, ma erano diverse sfaccettature di una più ampia esplorazione complessiva. Non c'era un modo ovvio di riunire tutto in un unico, coerente insieme, tuttavia, specialmente nei confini di una sequenza lineare che un libro impone. Ho giocato con la creazione di una struttura concettuale per strutturare il libro, ma alla fine quello che ha funzionato meglio è stato un approccio più intuitivo per la creazione di una sequenza: un flusso attraverso i diversi tipi di immagini che sentivo giuste. Il processo di creazione delle immagini è molto aperto, ma la costruzione del libro mi ha costretto a definire i confini di questo lavoro. Quello era uno dei miei obiettivi: capire esattamente come questi fili disparati su cui stavo lavorando da così tanto tempo potessero unirsi. Semplicemente volevo anche rendere noto il lavoro a un pubblico più vasto. C'è un numero crescente di persone che trovano approcci nuovi e davvero interessanti alla fotografia di paesaggio adatti al nostro tempo attuale. Questo libro è il mio contributo a questa conversazione.
Landscape Stories: La prima citazione del suo ultimo libro "Signal Noise" è tratta da "Il Visibile e l'Invisibile" di Maurice Merleau-Ponty. Davvero una buona scelta: […] Fondamentalmente non è né solo una cosa vista, né solo qualcuno che vede, è visibilità a volte errante e talvolta riassemblata.
La mia citazione dello stesso autore è: Guardare le immagini, anche quelle più carenti di quello che di solito viene chiamato lo sguardo, e che è costituito da un paio di occhi, immagini in cui è assente ogni rappresentazione della figura umana, come un paesaggio da un pittore olandese o fiammingo, alla fine vedrai, come in filigrana, qualcosa di così specifico per ciascuno dei pittori che sentirai la presenza dello sguardo. Per favore, potrebbe commentare?
Aaron Rothman: Ho scelto di aprire il libro con Merleau-Ponty perché per me il lavoro è molto incentrato sul processo di percezione. Cerco di presentare il paesaggio in modo da spezzare la distinzione tra il veggente e chi è visto, che in qualche modo manifesta il punto d'incontro tra il mondo esterno e il modo in cui è vissuto nella mente. Quel punto di incontro è inconoscibile alla fine, ma è anche il luogo in cui esiste il mondo, o la nostra conoscenza di esso. Non conosco il contesto esatto della citazione che ha dato, ma per me ha senso che un dipinto (o una fotografia) di paesaggio, almeno buono, non sia tanto una rappresentazione del fisico luogo in quanto è il riflesso di una specifica esperienza individuale di quel luogo. Uno dei miei pittori di paesaggio preferiti è Jacob van Ruisdael. I luoghi che ritrae hanno una presenza fisica incredibilmente palpabile, ma c'è anche un senso attivamente auto-riflessivo, autocosciente del processo di vedere lo spazio, la luce e persino il tempo. Mi ricorda la formulazione di Robert Irwin di "vederti vedere."
Landscape Stories: Il secondo riferimento è di David Byrne, cantautore, cantante e chitarrista della band new wave americana Talking Heads. Qual è la sua musica preferita? Segue poi la musica contemporanea? Sente influenze da altre forme espressive come la letteratura o la musica?
Aaron Rothman: Adoro come quella canzone, "Nothing But Flowers", ribalta la nostra visione abituale della natura e dell'intervento umano su di essa. È l'inverso del paradiso lastricato di Joni Mitchell. Il mio lavoro non ha l'ironia della canzone dei Talking Heads, ma voglio complicare i giudizi di valore sulla nostra relazione con il mondo naturale in modo simile. In generale, l'influenza della musica sul mio lavoro è molto più indiretta, dopo tutto non ci sono molte canzoni rock sul paesaggio! I miei gusti musicali tendono più al punk. Fugazi è probabilmente il miglior esempio: il modo in cui le loro canzoni si occupano di problemi sociali o politici, ma in modo poetico più che polemico, radicato nell'esperienza individuale e nell'espressione emotiva. Penso che la musica che ascolto in un dato momento fornisca un tono emotivo che riecheggia nel mio lavoro. Alcune delle band che ho ascoltato molto recentemente sono Savages, Perfume Genius, Lower Dens, Bob Mould. Ho preso molta ispirazione dalla narrativa e dalla poesia, ma le mie abitudini di lettura sono state orribili da quando sono diventato un genitore. Ho le migliori intenzioni di tornarci, un giorno …
Landscape Stories: In relazione a "Signal Noise" quali libri sente vicini per influenze e rapporti?
Aaron Rothman: Pochi libri come influenze. Nessuno di loro assomiglia a "Signal Noise". Ma hanno dato forma a come pensavo potesse essere un foto-libro. L'insieme dei lavori di Robert Adams ha grande importanza, la sua profonda capacità di sentire attraverso uno sguardo comprensivo e attento alla complessità dell'interazione tra persone e paesaggio del West. La mia prima reazione al suo libro "Turning Back" è stata, a dire il vero, che avesse bisogno di ulteriore editing. Dopo aver trascorso del tempo con esso, però, mi sono reso conto che il numero di immagini, le ripetizioni, le lievi variazioni nel punto di vista, erano esattamente ciò che dava al libro la sua efficacia. Non è una semplice registrazione, la sequenza ha a che fare col processo di guardare e venire a patti con le foreste minacciate oggetto del libro. Il libro di Risaku Suzuki "Mont Sainte Victoire", che attraversa la geografia della montagna resa famosa da Cézanne, mi ha mostrato come il flusso della sequenza di un libro possa rispecchiare l'esperienza di muoversi attraverso lo spazio, e così facendo può creare una reazione emotiva alla sequenza diversa da quella che darebbero le singole immagini. Dovrei anche menzionare il libro di Michael Lundgren "Matter". Mike è un amico e abbiamo frequentato la scuola elementare insieme, quindi è un pò strano indicare il suo libro come un'influenza, poiché la relazione è molto più profonda di quella. Una cosa che mi interessa davvero nel lavoro di Mike è il modo in cui mette insieme le immagini in base a connessioni poetiche sottostanti, e spesso non immediatamente ovvie, piuttosto che a connessioni letterali o puramente formali. "Matter" lo fa davvero bene, così come il suo nuovo libro, "Geomancy", che è stato appena pubblicato.
Landscape Stories: Ha un metodo di lavoro che segue per ogni serie o varia per ogni progetto?
Aaron Rothman: Tutte le immagini iniziano con una risposta diretta al luogo, il desiderio di registrare la sensazione di trovarsi in un luogo specifico in un momento specifico, ma molto del lavoro avviene dopo, in studio. Sviluppo diversi metodi per alterare digitalmente le immagini in risposta diretta alle foto originali e nel pensare al mio rapporto con i luoghi che ho fotografato. Quando trovo un nuovo modo di lavorare con le immagini, torno indietro e fotografo con questo in mente. Ma anche mantenendo questa idea, ho ancora bisogno di trovare una vera sensazione di connessione con il luogo nel momento della fotografia. Continuo a fotografare principalmente con una fotocamera analogica 4x5 pollici (10x12 cm), che mi rallenta e mi fa davvero passare del tempo da qualche parte prima di fare una foto. Le immagini spesso non funzionano esattamente come mi aspetto quando le inserisco nel computer, il che mi costringe ad evolvere ulteriormente i processi digitali. In genere scopro che una volta che penso di sapere cosa sto facendo, il lavoro perde vita e ho bisogno di cambiare il mio approccio in qualche modo.
Landscape Stories: Quali libri fotografici sceglierebbe dalla sua biblioteca e perché?
Aaron Rothman: Scelta difficile! Ne indicherò alcuni che hanno a che fare con il paesaggio per semplificare un po' le cose. Per un libro più focalizzato sulla storia, adoro Eugène Cuvelier: "Legend of the Forest". Ho visto questo lavoro per la prima volta nel 1997, l'ho scoperto di nuovo qualche anno dopo alla scuola di specializzazione e finalmente ho trovato una copia del libro da acquistare qualche anno dopo. Cuvelier era un fotografo francese del XIX secolo che lavorava al fianco di pittori della scuola di Barbizon come Jean-François Millet e Jean-Baptiste Camille Corot. Ha lavorato con negativi di carta e le tonalità tendono ad essere un po' dure e bizzarre, il che rende le immagini strane e affascinanti.Rendono il mondo in modi che sembrano un po' irreali, almeno per gli occhi moderni, ma rispetto ai dipinti dei suoi contemporanei enfatizzano davvero la realtà del mondo fisico e la sua indifferenza ai desideri umani. Il libro è stato importante per me per capire come la fotografia di paesaggio si adatta alla storia molto più lunga della rappresentazione del paesaggio nella pittura.
Un altro libro che adoro è totalmente diverso, immerso com'è nella tradizione paesaggistica europea, in un modo completamente diverso, è "Landscape and Memory" di Jo Rottger. Röttger fotografò un gruppo di soldati tedeschi mentre si allenavano nei campi, successivamente dispiegati in Afghanistan e poi di nuovo sulle Alpi per altri esercizi di addestramento. Il lavoro è tutto realizzato con una fotocamera analogica 8x10 pollici (20x25 cm), ed è nel linguaggio del paesaggio più che nella fotografia di guerra: ricordano Caspar David Friedrich più spesso di Robert Capa. Röttger ha basato il lavoro sull'omonimo libro dello storico Simon Schama, che traccia le connessioni tra paesaggio, politica e cultura europee. È un lavoro molto strano e sorprendente.
Per finire il libro di Barbara Bosworth, "The Heavens". Sono un appassionato delle immagini del cielo notturno, dello spazio, dei corpi celesti. Le foto della Bosworth, ancora una volta scattate con un fotocamera 8x10 pollici, sono così straordinarie e riescono davvero a percepire quella sensazione contraddittoria di significato e insignificanza che mi sembra di osservare nella vastità incomprensibile di un cielo notturno chiaro.
Landscape Stories: Quali sono i suoi piani per il prossimo futuro? Cosa si aspetta nel 2020, fotograficamente o non?
Aaron Rothman: Assieme al Cleveland Museum esporrò una selezione di "Signal Noise" alla Transformer Station. Questo spettacolo si apre a febbraio e sono davvero entusiasta di vedere così tanto di questo lavoro insieme in un unico spazio.
Sono nella fase iniziale di un paio di progetti diversi. Uno è una continuazione piuttosto diretta dei metodi di lavoro in "Signal Noise", ma con un focus più ristretto sulle montagne della Sierra Nevada; è un posto che ha un grande significato personale per me e, naturalmente, enorme importanza nella storia della fotografia di paesaggio. L'altro progetto va in una direzione leggermente diversa: prestare attenzione alla storia dei motivi della natura nel design tessile, nella globalizzazione e nelle specie invasive. Non sono sicuro di dove stia andando esattamente, ma non vedo l'ora di capirlo.
Intervista a cura di Gianpaolo Arena
Traduzione a cura di Sergio Tranquilli